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Buster Keaton parte 1 - Monografía



 
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Cinematografía. Producción cinematográfica. Biografía. Comedia muda. Cine mudo cómico estadounidense. Filmografía



JUSTIFICACIÓN



La vida y obra de Buster Keaton ha sido estudiada por críticos e historiadores cinematográficos, quienes lo han considerado como uno de los maestros del cine mudo cómico norteamericano y clásico de la cinematografía mundial.

Actualmente, sus películas han sido reeditadas en DVD y las encontramos proyectadas frecuentemente en televisión o festivales cinematográficos de todo el mundo.

El trabajo de Keaton sorprende por su vigencia actual y por su maestría al desempeñarse como actor y director: “En esencia, sus filmes siempre giran en torno del mismo tema: el hombre en la era de las máquinas. De esta manera, la actualidad de Keaton resulta incuestionable”

La delicadeza y meticulosidad con que realiza cada uno de sus films dan cuenta de la técnica que va desarrollando a lo largo de su carrera. Cada creación de Keaton trató de responder  las demandas del público al que se enfrentaba y satisfago  al público actual.

Por tales motivos, el presente trabajo pretende resaltar la importante labor de Keaton, como actor y director, a través del análisis de La General, una de sus más grandes y ambiciosas producciones; así como marcar el papel que juega en el desarrollo del cine cómico estadounidense y demostrar por qué se ha convertido en un clásico.

INTRODUCCIÓN



Uno de los períodos más significativos en la historia del cine mundial se desarrolla a partir del cine cómico estadounidense de la etapa silente. Los grandes cómicos surgieron gracias a este período; y la industria hollywoodense jamás volvería a gozar de tal auge de la comedia de calidad.

Sin duda alguna, Charles Chaplin es el cómico más conocido de todo el cine mudo, sin embargo, otros grandes cómicos vivieron opacados por él. Uno de ellos fue Buster Keaton.

Considerado por muchos como superior a Chaplin, Buster Keaton realiza una importante carrera fílmica demostrando gran maestría en el uso del lenguaje cinematográfico, tanto técnico como de contenido.

Sus cortometrajes y largometrajes hablan de su evolución como personalidad cinematográfica, al igual que demuestran el conocimiento pleno que tenía del medio en el que se desarrollaba.

En La General (The General), considerada como su obra maestra, Keaton despliega al máximo sus capacidades como actor, así como su gran desempeño en las áreas de producción, guión, montaje y dirección. El éxito que actualmente ha obtenido esta película da a Keaton la oportunidad de encontrarse entre los mejores directores estadounidenses, así como la de encontrar a La General como una de las diez mejores películas en la historia del cine.

BUSTER KEATON



Joseph Francis Keaton nació en 1895, en la población de Pickway,  Kansas. Sus padres, Joseph y Myra Keaton (”Los dos Keaton”), eran dos cómicos ambulantes por lo que el pequeño apareció en escena cuando sólo contaba un año de edad.
A los tres años, Keaton ya participaba de lleno en el espectáculo de sus padres y el dúo se convirtió en trío. “Los tres Keaton” fueron muy conocidos en el espectáculo de variedades, sin embargo dejaron de presentar su número en 1917 por dos razones: la hostilidad de su padre debido al alcoholismo y las pocas posibilidades que había de que Keaton interpretara el mismo papel.
En 1917, Buster  Keaton visitó los estudios de Roscoe Arbuckle “Fatty” en Nueva York. . Éste le ofreció trabajar como secundario en una de las producciones que iba a realizar con su propia compañía, la Comique Film, la cual había creado al  separarse de Mack Sennett.

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Su primera película (la cual marca el inicio de la relación entre ambos cómicos) fue Fatty asesino (The butcher boy), producida en 1917. El personaje de Keaton era el de un joven “busca pleitos”, siempre ausente y distraído.
Posteriormente, en 1920, Keaton fue contratado por la Paramount, luego de que esta compañía fuera trasladada a Hollywood. Es así como Buster Keaton inicia su brillante carrera cinematográfica.
El productor Joseph M. Schenck llega a un acuerdo con la Metro-Goldwyn-Mayer y ésta contrata a Keaton para El crimen de Pamplinas (The saphead) dirigida por Winchell Smith. Hasta  1926 la carrera de Keaton ascendía, aunque siempre lentamente y a base de la dedicación obsesiva que tenía al  realizar su obra.
Schenck fue puesto al frente de la empresa United Artists (creada en 1919 por diversos actores, entre ellos Chaplin) de la cual provenían las carísimas producciones independientes de figuras como Chaplin, Mary Pickford y Douglas Fairbanks.   Keaton, después de hacer sus últimas tres películas para la United Artists, estaba realmente satisfecho y contento de estar en la compañía que contaba con Chaplin, sin embargo, trató de independizarse de Schenck, pero éste le realquiló a la MGM, con todos los poderes de la autonomía perdidos. Es así como el ánimo de Buster comienza a hundirse.

Cuando Louis B. Mayer compró su contrato, Buster se vio sometido a la dura línea de la Metro, donde lo obligaron a  rodar películas que no eran las más propias para su talento totalmente visual. Estas circunstancias, sumándole su divorcio con Natalie Taldmage, llevaron a Buster a una fuerte depresión, y mucho se dice que esto lo orilló al alcoholismo. Despedido de la Metro  -empresa que posteriormente volvió a contratarlo como un simple asesor técnico- y marginado por Hollywood, Keaton vio cómo declinaba poco a poco su carrera. Ya sólo tenía breves apariciones en largometrajes o cortometrajes sonoros de bajo presupuesto.
No fue sino hasta que en 1950 la televisión le devolvió parte de su pasada gloria. En este medio participó en comerciales, programas y series que hacían honor a su vida y obra. A partir de estas apariciones es que Keaton fue revalorado, al igual que su trabajo. Se realizan festivales en su honor y se exhiben sus películas alrededor del mundo.
En su última aparición en un film (Guerra a la italiana), Buster vuelve a tener la oportunidad de desplegar su ingenio, pues no pronuncia palabra en sus apariciones y tiene una secuencia que hace recordar al Keaton en sus tiempos de gloria. Al final de la película, en la cual interpreta a un general, aparece en una escena muy significativa:
“Su uniforme es reemplazado por el traje de toda su vida y su gorra de oficial por su clásico sombrero plano. Tras despedirse de sus nuevos amigos comienza a caminar y se pierde en un horizonte desértico, en colores y Cinemascope, sólo pero decidido, buscando la profundidad del plano en lugar de sus bordes, como si hubiese sabido que ese film se estrenaría después de su muerte. Quien quiera que haya sido el tonto sensible que le permitió esa despedida, merece un lugar a su lado en el cielo.”
Buster Keaton fallece en el año de 1966, lugar en el que vivió gloria y desesperanza, y que le permitió satisfacer su único vicio real: “el sonido de la risa ajena.”

“CARA DE PALO”



El personaje de Buster Keaton fue rápidamente identificado por el público, quien le apodó “cara de palo” debido a su rostro impasible. Quizás sea éste uno de los elementos que mejor caracterizan a su personaje, al igual que su “acrobático dominio del cuerpo” , resultado de los años en que trabajó con sus padres.
Lo que más destaca de la naturaleza del personaje de Keaton es que se mantiene estoico ante los problemas que se le presentan, de los cuales (pese a enfrentarlos solo) sale triunfante tras utilizar su gran valor.
“Sus personajes son siempre hombres que se han adaptado a la sociedad, que trabajan y conviven sin grandes problemas con sus conciudadanos. El personaje de Keaton puede ser pobre o rico pero siempre es un individuo que funciona en su medio y que vive de acuerdo al patrón que le tocó vivir, sin que esto le impida buscar nuevas alternativas. Buster Keaton es además un hombre de su época, cualquiera que esta sea”.
De esta manera, Keaton crea un personaje excepcional: bajo de estatura, delgado, con pantalones holgados y sombrero plano. Su naturaleza recae en que siempre se las arregla solo, en el triunfo o en el fracaso; todo lo  hace  por sí mismo, por lo cual se le cataloga como un personaje solitario pero lleno de enorme valor e infinita nobleza, la cual en ocasiones lo vuelve un tanto ingenuo.
En su contrato, Keaton tenía prohibido sonreír en público, pues se trataba de conservar su imagen dentro y fuera de la pantalla de cine. En sus películas nunca sonríe, permanece inexpresivo ante cualquier situación externa. La única parte de su rostro que es capaz de exteriorizar algún sentimiento son los ojos. Viéndose en tal situación y sin la ayuda del sonido, Buster desarrolla y lleva al máximo su expresión corporal. De esta manera, lo que no nos dicen sus ojos nos lo dice su cuerpo y los movimientos de los mismos.
“El lenguaje corporal de Buster subraya la circunstancia de que, en él,  coinciden el pensamiento y la acción. La gracia de sus movimientos, que priva del aliento, se basa en que, en él, se funden la voluntad y el pensamiento, la acción y el objetivo de la acción, cuando menos mientras se halla confrontado con problemas puramente prácticos.”

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Las situaciones en las que se ve envuelto no son lo que le da la gracia a sus películas, sino la actitud que él toma ante ellas, así como lo que tiene que hacer para salir victorioso de sus problemas. Su tranquilidad en todo momento puede ser la causante de que, en ocasiones, resulte ser un héroe sin siquiera darse cuenta, lo cual no significa que no se esfuerce para ello.
Keaton era feliz desplegando su talento para hacer reír con sus gags y en eso mucho le ayudó la habilidad acrobática con la que contaba. Un elemento que muchos actores y directores admiraron de él fue que, desde el inicio de su carrera, nunca aceptó ser doblado, ni siquiera en las escenas más riesgosas y que ponían en peligro su vida. En un documental acerca de la vida de Keaton (Buster Keaton Rides Again), el realizador John Spotton comenta que, en una escena de gran peligro en La General,   “el cameraman tenía orden de rodar hasta que Buster exclamara ‘¡Corten!’ o se matara”.
Los personajes de Buster Keaton son lo menos sentimental posible. Muchas de sus películas, o de las situaciones que en éstas se presentaban, pudieron haber desembocado en escenas en las que él se presentara solo y triste, es decir, que se volviera la víctima. Sin embargo, por lo regular, Keaton evitaba estos momentos de tal manera que los hacía muy breves, o incluso les daba un toque humorístico.
Debido a dichas características, Keaton logra ser reconocido y sus películas entran en el gusto del público, aunque no todas…

FUERA DE ESCENA



No sólo destaca la labor de Buster Keaton como actor, sino también como director, guionista, montajista y productor. Desde principios de su carrera deja ver la enorme cantidad de ideas que tiene para ser proyectadas en los films así como su talento para manejar el lenguaje cinematográfico; no obstante, él siempre fue muy modesto, según afirman personas con las que trabajó, como Red Skelton:
“Era tan modesto que nunca supe que era él quien había escrito todas esas cosas que yo hacía. Me sacaba aparte y me decía: ‘Creo que esto sería gracioso…’, me describía un gag y después dejaba creer a los demás que había sido mi idea…”
Keaton aparecía generalmente como co-director o co-guionista, lo cual provocaba que su labor en estos campos no fuera tan valorada o incluso ignorada. No obstante, es bien sabido que Keaton daba crédito a la más mínima ayuda, por lo que, en ocasiones, compartía créditos de dirección con alguien que había desempeñado el papel de un asistente de dirección. Incluso él aparece ausente en los créditos de varias películas en las que en realidad había intervenido en todos los aspectos de la realización.
Un elemento determinante en Keaton es que comprendió las limitaciones que tenía el cine mudo y las adecuó a un lenguaje que supo desarrollar al máximo.

La construcción cómica con la que Buster estaba familiarizado era la que había aprendido en el vaudeville, la cual consistía en presentar los relatos según una cierta estructura: gag-situación-sketch-conjunto de sketchs. En cambio, la forma en que se desarrolla la narración cinematográfica es diferente: introducción-desarrollo-nudo-desenlace. Gran parte de la riqueza de la obra de Keaton se basa en la combinación que logra hacer de ambas estructuras, alcanzando un estilo propio.
Podría definirse a Keaton como un realizador inventivo, pues se las ingeniaba para que todas las posibilidades del lenguaje cinematográfico de la época estuvieran a la disposición del dinamismo de su personaje. Explotó la cámara hasta encontrar el punto en el que ésta le permitiera una mayor fluidez en el montaje y reducía al mínimo las interrupciones de los intertítulos. Cabe señalar que estas técnicas las empezó a desarrollar aproximadamente desde 1923, cuando ya realizaba dos largometrajes por año, aproximadamente. De esta manera, Keaton maneja mejor que sus contemporáneos el dominio del desarrollo fluido del relato así como la perfección en el tratamiento de los gags.
Keaton no sólo busca filmar una secuencia de gags, sino que intenta crear cierto estilo muy personal.
En sus películas predomina un tema en específico: la búsqueda del amor y el esfuerzo por conseguirlo.  La manera en que resuelve este sencillo problema en todas sus películas es lo que más impresiona. Él posee una imaginación inagotable, la cual utiliza para integrar perfectamente el gag y la trama narrativa en una historia bien lograda; y de esta forma conquistar al público. Sus historias poseen un estilo casi poético y sus personajes se mezclan entre los sueños y la realidad.

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Para la filmación de sus películas, Keaton hace un inteligente uso de las estrategias técnicas y narrativas que desarrolla a lo largo de su carrera. Dependiendo de lo que quería proyectar sería la manera en la que escogería  el manejo de las cámaras.  Así mismo, la construcción de los gags dependía del desarrollo de la historia, lo cual evitaba que los constantes chistes obstaculizaran la correcta linealidad de la trama.
El montaje de muchas películas también estuvo a su cargo y lo realizaba de una manera poco sencilla: “Keaton era su propio editor y solía trabajar sin ningún tipo de proyector, mirando el material a trasluz.”  Se empeñaba en que el montaje quedara correctamente realizado, con la intención de que la película final estuviera de acuerdo a lo que él quería y tal como la había imaginado.
Al igual que otros directores de su época, Keaton no escatimaba en gastos cuando se trataba de crear una buena escena. En el momento en que ideaba un gag trataba de efectuarlo lo mejor posible. En La General, se realizó el que es considerado como el gag más caro de toda la historia del cine, y también uno de los más famosos, el cual se da al caerse una locomotora al río.
Una de las razones por las cuales Buster se convierte en todo un genio en cuestiones técnicas tiene que ver con el amor que le tiene a su trabajo. Desde sus primeras películas demuestra interés por el proceso que implica la realización de una película y se relaciona con directores, guionistas y montajistas para aprender sus respectivas labores. Se vuelve autodidacta y aprende todo lo que necesita saber sobre la creación técnica de los films. Lo demás ya lo tenía.

COMEDIA MUDA



El Cine norteamericano ha tenido un desarrollo constante  que le ha permitido forjarse como una industria sólida. Una de sus mejores épocas fue la del cine cómico, la cual surge a partir de 1912. A esta etapa la caracterizó la llegada de autores y actores de gran talento, los cuales eran puestos a prueba en películas cortas que se hacían de un día para otro. De esta manera se  ejercitaba su comicidad y creatividad.
Los nombres más famosos de esta corriente fueron: Buster Keaton, Charles Chaplin,  Harold Lloyd, Stan Laurel y Oliver Hardy (El gordo y el flaco) y Larry Semon, entre muchos otros.
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El antecedente del cine cómico norteamericano se sitúa en Francia, pues desde 1905, Max Lynder ya hacía películas de humor en ese país. El  cine norteamericano de comedia se caracterizó porque  reunía la diversión y los chistes con  valores humanos y sociales, que son los que en parte le permiten tener una vigencia actual a las películas de esos años. La imaginación y la  creatividad permitían a los realizadores hacer uso de los recursos cinematográficos para llevar al máximo las capacidades expresivas de los actores y el medio.

Entre las principales características que desarrolla el cine cómico norteamericano se encuentran las siguientes:
- Los gags dejan de ser golpes aislados para integrarse en un conjunto armonioso y coherente; basándose en la absoluta libertad y la posibilidad de usar cualquier elemento del mundo.
- El perfecto control que el cómico ejercía sobre sus gestos, expresiones y movimientos.
- Existía una cuidadosa conjunción de arte y técnica, de esfuerzos coordinados del director, guionista y gagman para que cada efecto, cada secuencia, se integrara en una obra unitaria.
- Exigente autocrítica por parte de los realizadores y riesgo físico de los actores.

Cabe destacar que los rótulos explicativos se redujeron al mínimo pues ya no era necesario incluir gran cantidad de texto para que el público comprendiera lo que estaba pasando. Todo esto se debe a que los actores habían desarrollado en gran medida su habilidad corporal y ya eran capaces de transmitir distintos tipos de emociones a través de gestos casi imperceptibles.  Lo anterior  provocó que se iniciara  una paulatina transformación del público, el cual también iba perfeccionando la manera en que concebía los productos cinematográficos.
Esta época marcó la historia del cine debido a que en estos inicios aparecieron el western, el star-system y las estrellas de cine. Los años 20 en el cine norteamericano fueron un período de grandes favoritos populares.

LA GENERAL



Ficha técnica:
LA GENERAL  (THE GENERAL)
(1926)
Distribuida por: United Artists Corporation
Compañía productora: Buster Keaton Productions Inc.
Productor: Joseph M. Schenck
Director /Escritor: Buster Keaton, Clyde Bruckman,
Adaptación: Al Boasberg, Charles Smith,
Fotografía: J. Devereux Jennings, Bert Haines.
Director técnico: Fred Gabourie
Personajes principales:  Buster Keaton (Johnnie Gray), Marian Mack (Annabelle Lee), Glen Cavender (Capt. Anderson), Jim Farley (General Tatcher), Frederick Vroom (Southern General), Charles Smith (Padre de Annabelle), Frank Barnes (Hermano de Annabelle), Joe Keaton (Union General), Mike Denlin (Union General), Tom Nawm (Union General).
8 Rollos
Estreno:   22/12/1926.

Sinopsis:



La película está basada en un hecho real sucedido durante la Guerra Civil. Se trata de una adaptación del libro de  William Pittenger: Daring and Suffering: A History of the Great Railway Adventure (Audacia y sufrimiento: Una historia de la gran aventura ferroviaria), el cual fue publicado en 1863.
La película desarrolla la historia de Johnnie Gray (Buster Keaton), un maquinista de la Western & Atlantic que tiene dos pasiones en su vida, su locomotora “La General” y su novia Annabelle Lee (Marion Mack).

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Cuando estalla la guerra civil, Annabelle pide a Johnnie que se aliste en el ejército sudista para luchar contra la Unión. Desgraciadamente, en el momento en que va a inscribirse no es admitido pues lo consideran más útil en su profesión de maquinista que en su posible aportación como soldado. Annabelle Lee cree que fue un acto de cobardía y decide no hablarle más a Johnnie.
Un año después, Annabelle tiene que viajar porque su padre está herido, y lo hace en la locomotora de Johnnie, al que aún no le habla. A mitad del recorrido un grupo de nordistas, intentando enlazarse con el ejército de la Unión en Chattanooga, deciden poner en marcha un plan que incluye el robo de “La General”. Cuando llevan a cabo su huída descubren que Annabelle permanece en la locomotora y se la llevan como prisionera.
Johnnie intentará recuperar el mismo su locomotora y al mismo tiempo a su amada, aunque desde el principio no lo sabe…


GÉNERO:



La película pertenece indiscutiblemente al género de la comedia. La historia se desarrolla acompañada de situaciones cómicas y encontramos un final feliz. El héroe es por azar, Johnnie rescata a Annabelle del cuartel enemigo aunque en un principio no sabía que la tenían prisionera. Existe una constante permanencia del gag, sin embargo, lo cómico no es lo único en la película, pues se tocan aspectos dramáticos, debido a que se está tratando de narrar un episodio de una guerra.


ANÁLISIS



MONTAJE:



A lo largo de la película se pueden encontrar distintos tipos de montaje pertenecientes a las diversas categorías.
Según el modelo de producción, podemos señalar  que se hace uso del montaje interno, aunque éste se presenta de manera escasa. Ejemplo de este tipo de montaje se da en una escena en la que Johnnie está con Annabelle en el bosque huyendo de los enemigos. La oscuridad se ve interrumpida por un rayo que ilumina el resto del campo y aparece un oso, después vuelve a oscurecerse y el oso desaparece. Tal escena puede ser ubicada en la categoría de montaje interno por profundidad de campo.
De manera más frecuente, el uso de montaje temporal y espacial se da tanto en su forma continua como discontinua.
El montaje temporal continuo aparece en sus dos modalidades: acción presente y acción en off.  La acción presente se presenta en la película en algunas ocasiones. Una de ellas es cuando Annabelle se despide de su padre y su hermano al saber que van a enlistarse. La acción principal es Annabelle despidiéndose. La primera toma es ella despidiéndose de su hermano y su padre; en ésta los personajes aparecen de cuerpo completo. Inmediatamente después la toma es Annabelle viendo alejarse a sus familiares pero ahora aparece con un mayor acercamiento, el cual abarca de sus rodillas hacia arriba. La tercera toma es Annabelle aún en la puerta y muy triste; ahora el encuadre es de la cintura hacia arriba.

En cuanto a la acción en off se localizan ambas opciones: toma sostenida y toma de espera, dándose ésta con mayor frecuencia que la primera. Un ejemplo de la toma sostenida es en la escena en la que la locomotora que maneja  Johnnie no avanza. En una toma el maquinista le hecha tierra a las ruedas de la locomotora y ésta comienza a avanzar, pero él no se da cuenta, luego voltea y corre hacia donde avanzó la locomotora. En este momento se queda el cuadro vacío teniendo como fondo las vías. La siguiente toma es Johnnie corriendo detrás de la locomotora hasta que la alcanza.
En cuanto a la toma de espera mencionaré dos ejemplos muy claros. En una toma aparecen Johnnie caminando por una calle, detrás de él van dos niños y Annabelle. La siguiente es una toma abierta de la fachada de una casa. Luego se ve a Johnnie llegar con los otros tres personajes a dicha casa.
Otro ejemplo es cuando Johnnie va caminando triste por las vías por no poder alcanzar a su locomotora, pues su carrito se ha caído al río y él camina solo por la vía. En una toma está Johnnie que avienta un trozo de madera hacia un lado, voltea ve algo y corre. La siguiente toma es un señor que deja estacionada su bici afuera de su casa y se da la vuelta, luego aparece Johnnie corriendo y de un salto sube a la bici y sale del cuadro con ella.

Respecto al montaje temporal de manera alternada lo encontramos en la modalidad de acciones paralelas. Ejemplo de ello es una escena en la que Johnnie y Annabelle se han bajado de La General porque les falta leña. En una toma Annabelle comienza a amarrar un lazo a dos árboles. En la siguiente está Johnnie terminando de subir leña, ve que Annabelle no está y va a buscarla. En la siguiente toma Annabelle ha terminado de amarrar los árboles y se los muestra a Johnnie.
El montaje discontinuo se presenta con elipsis evidentes y ocultas. Un ejemplo de elipsis ocultas se da cuando Annabelle va en reversa con la locomotora sin darse cuenta de que Johnnie ya la había alcanzado. En una toma se ve como Johnnie ve que la locomotora va en reversa y comienza a trepar una pendiente para alcanzarla. La siguiente es una toma del tren con los soldados enemigos y la siguiente toma es La General deteniéndose y Johnnie terminando de subir la pendiente y encontrándose con su locomotora.
El montaje discontinuo a través de elipsis evidentes se presenta en sus dos categorías. De transición suavizada puede ubicarse una de las primeras escenas, en la cual se hace uso de un fundido a negros como signo de puntuación. En una toma está Johnnie tomando sus saco y su sombrero de la cabina de la locomotora y va a bajarse, hay fundido a negros y luego aparece Annabelle conversando con alguien, la siguiente escena es Johnnie ya en camino hacia la casa de Annabelle.
Otro ejemplo de transición suavizada  a partir de las técnicas del montaje continuo es una que se realiza con acciones paralelas. La escena consiste en que Johnnie va a sacar a Annabelle de un vagón estando la locomotora en marcha. En una toma Johnnie empieza a golpear el vagón con un hacha, en la siguiente toma se muestra la cabina del tren enemigo con varios soldados. En la toma siguiente Johnnie ha terminado de hacer un agujero de buen tamaño.

La transición evidenciada no se utiliza con mucha frecuencia. Un ejemplo es cuando Johnnie está escapando con Annabelle en La General y tira el poste del telégrafo. En una toma está Johnnie rompiendo un lazo que ató a la orilla del vagón, lo termina de cortar y da la media vuelta para volver a la cabina, en la siguiente toma aparece él ya sentado y asomándose por la ventana y conversando con Annabelle. Los otros ejemplos que pertenecen a esta categoría se hacen evidentes debido a los intertítulos. Ejemplo de ello es cuando Johnnie y Annabelle deciden pasar la noche en el bosque, luego aparece un intertítulo que hace patente el paso del tiempo y luego aparece una toma en la que los dos se encuentran en la misma posición pero ahora es de día.
Al igual que el montaje temporal, el montaje espacial se presenta de diversas maneras. El montaje espacial continuo se maneja mucho  por el paso de un escenario al inmediatamente contiguo. Lo anterior puede ejemplificarse con varias escenas, como en la que Johnnie llega a casa de Annabelle. En una toma están los dos fuera de la casa acompañados de dos niños y ella lo invita a pasar. La siguiente toma consiste en que los cuatro entran a la sala.  Otro ejemplo es cuando encierran a Annabelle en una habitación. Una toma es cuando está en el comedor con los oficiales del norte y en otra la meten a la recámara y ella está asustada.
Un claro ejemplo del uso de elipsis con continuidad se da en la escena en la que el general Tatcher y el capitán Anderson planean el robo del tren. Primero presentan una toma abierta del campamento y la siguiente toma es del interior de una tienda de campaña.
Así mismo también se utilizan  las elipsis con discontinuidad y relación. Ejemplo de ello es cuando Johnnie y Annabelle despiertan en medio del bosque y la siguiente toma son varios soldados cargando trenes en una estación, se da la relación porque de antemano se sabe que los protagonistas están en territorio enemigo.

El montaje según el contenido se da de manera narrativa, pues obedece al desarrollo del relato. A lo largo de toda la película se busca llevar una coherencia de la historia, tanto espacial como temporal, pero siempre de acuerdo con lo que se quiere contar.  Ejemplo de ello es todo el montaje que se lleva a cabo en las persecuciones pues las tomas van del tren enemigo al tren de Johnnie para mostrar lo que hacen para librar la persecución respectivamente. Todo esto lleva una coherencia minuciosamente cuidada.
Ejemplo de lo anterior se da al analizar las relaciones entre planos. Encontramos las causales en varias ocasiones. En una escena se toma el cañón a punto de disparar y en la siguiente se presenta el estallido de la parte trasera de uno de los vagones del tren.





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