Monografías
Publicar | Monografías por Categorías | Directorio de Sitios | Software Educativo | Juegos Educativos | Cursos On-Line Gratis

 

Cine Orígenes Parte 2 - Monografía



 
DESCARGA ESTA MONOGRAFÍA EN TU PC
Esta monografía en formato html para que puedas guardarla en tu pc e imprimirla.



Vínculo Patrocinado




Aquí te dejamos la descarga gratuita
Nota: para poder abrir archivos html solo necesitas tener instalado internet explorer u otro navegador web.




Puesta en escena:



Por los franceses, no por los americanos.
Para los americanos es aquello que controla el director, el profílmico: escenario, actores….todo lo que no ha sido rodado. Para los americanos, el montaje es puesta en escena.

Para los franceses:



Manera de manifestarse, en general, el cine, todo lo que vemos en la pantalla, no sólo lo profílmico, pero también el encuadre de un plano, también el formato de los planos (general, americano, medio, primero, detalle…). La angulación, el movimiento de cámara y la iluminación, e incluso, el montaje.

Formato de planos:



Suele estar en función de su duración, de modo que dura un plano general que un medio y un medio que un primero. Cuando formato tiene el plano más dura.

Angulación:



Normalmente justificada por un punto de vista. Si lo vemos de arriba a abajo (angulado) es por motivación del espacio, al igual sucede de abajo a arriba (Contrapicado) que representa una mirada hacia arriba, justificado por algo y no por una cuestión dramática, salvo por excepciones.

La composición del encuadre:



Se rige por unos principios: frontalidad, centralidad y equilibrio.

- Centralidad: Es muy importante por que el plano siempre deberá estar en el centro.
- Frontalidad: Los personajes suelen actuar de manera frontal al espectador, tienden a actuar de forma que podamos ver todo lo que hacen.
- Equilibrio: Nunca una parte del encuadre se queda vacía en relación con la otra parte, siempre hay un reparto de las masas.

La cámara en el cine clásico se mueve, pero esta justificado siempre por la acción y por la historia. Los más importantes son el reencuadre (la cámara sigue a un personaje para resituarlo en otro lugar); el traveling (La cámara viaja sobre railes o ruedas y se mueve en persecución de algo que también se mueve, pero en el clásico una cámara no hace traveling sobre los personajes que se mueven normalmente) y la panorámica (Movimiento que hace la cámara sin moverse de su sitio, pero se mueve sobre el trípode.

La cámara puede mover la cabeza hacia arriba o hacia abajo y así hacer un contrapicado o picado y también de izquierda a derecha y viceversa, este último es el empleado por que es un movimiento muy suave y no rompe la verosimilitud y la estructura espacial y puede seguir a los personajes.


Puesta en serie o montaje.



Actualmente la media de planos son 1500 por hora.

Eje de creación: Eje imaginario que une una de las partes de conflicto a otra parte de encuentro.
Insistencia en manuales para que se sigan los ejes de acción, la regla de los 180º y la de 30º.

Ley de los 180º:



Se dibujan los ejes en el suelo para que los actores sepan por donde moverse. La cámara da una visión de los dos actores. Los 180º son la semicircunferencia que se establece entre un personaje y otro, esta semicircunferencia sirve para saber donde se tiene que colocar la cámara para que no haga saltos de eje y la acción resulte legible continuamente.

La cámara A conseguiría un plano general y se emparentaría con el cine primitivo. Cuando más se acerca la cámara a la línea del eje, más puede analizar la situación y si eso se hace por montaje se hace primero un plano general y luego más cercano y se llama montaje analítico. Va cogiendo las escenas, y al montador hay que darle todas las escenas y la cámara se puede poner en cualquier sitio y enfocar solamente a un personaje. Lo que ruedan B y C son distintas, y el montador las trocea y las monta tipo plano / contraplano.

Fuera del eje no hay nada, esta el decorado y allí no puede situarse la cámara y esta norma implica una teatralidad dentro del cine.


Ley de los 30º:



La cámara se sitúa en este ángulo para los dos personajes. Si entre A y C hay menos de 30º el espectador tiene la impresión de que la cámara ha saltado. Movimiento injustificado. Reglas de función del montaje, pero ni son universales ni necesarias.

La tecnología.



Eficiencia de la producción y interesa saber por que adoptan determinadas tecnologías, como el color (que tardó mucho en implantarse), sonido, luz, moviola…

La mayoría de la tecnología es la mejora de la producción y su eficiencia. Se produzca más y mejor con menos dinero y muchas de las cuestiones tecnológicas vienen por tener la patente de una tecnología nueva que va a reducir tiempo y dinero.

Los avances en la tecnología fueron premiados por sindicatos empresariales y artísticos. El primero fue el de proyeccionistas de cabina por que en todas las cuestiones de montaje necesitaban cabinistas.

Los otros también se agruparon para hacer avanzar las técnicas de sus profesiones, por eso, tenían boletines y actas en los que venían las noticias de las mejoras. Los gremios entre sí tenían una escala de valores muy rígida, eso era la forma de premiar al prestigio de la persona, y otra, el movimiento más oficial de reconocimiento de la Academia de Hollywood, tuvo importancia por que premiaba a investigadores fundamentales como en inventor de la moviola o procedimientos de color o sonido.

Los casos más llamativos son la moviola, la luz y el color.

La moviola: se patenta en el ‘26 y es importante por que a partir de aquel momento el montador y un ayudante serian suficientes para montar la película. Si no había moviola se cogía el negativo, el director lo miraba al trasluz o se miraba encima de una mesa que tenia una luz interior.

Sistema rudimentario, su fallo era que la persona que montaba no veía la película en movimiento. Eso suponía que el director tenia que tener gran intuición y recordar muy bien la película y cuando terminaban se la daban al proyeccionista y él cogía la película, la pasaba para que la montara y se sercionara de que estaba bien. El resultado produjo fallos de ritmo y racord en las películas. Cuando que crea la moviola desaparecen los proyeccionistas. Película en sentido de celuloide: Materia prima.

El celuloide es muy caro, fabricada en muy pocos puntos y muy escasa en tiempos de crisis.
El primer tipo de cinta es la película Ortomatica, que es una película muy parecida a la actual, pero tiene una característica que son casi un defecto y casi una virtud.

La película ortomatica se revelaba en cubetas grandes y toda entera, resistente, tenia que ser revelada con luz roja, que permitía que se vigilara directamente en el proceso. Eso era bueno por que daba al acabado de la película un carácter artesanal.

Los inconvenientes que tiene son que no eran sensible a la gama de los rojos y amarillos, los primeros salían totalmente negros y los azules eran convertidos en blancos brillantes, y eso afectaba a los cielos, que había que fotografiar con filtros especiales naranja, y los ojos claros tenían que trabajarse después de fotografiar para que no quedaran como ojos vacíos.

El cine tardó en reaccionar frente a las distorsiones, pero reaccionó adaptando los colores del decorado a las necesidades de la película y quitando los colores que podían dañar. Para los objetos blancos se utilizaban colores rosas, que en la pantalla aparecían como blancos amarfilados, por otra parte, tenia la ventaja de dejarse colorear por tintes, por la pintura a mano.

Película Pancromática: No sucede a la ortocromática si no que se utilizaron conjuntamente hasta que las ventajas de estas fueron rentables para las compañías. Es sensible a todo el espectro de colores y proporciona gran nitidez en la fotografía y un tono algo más gris que la ortocromática, con eso hay un defecto y es que se pierde el negro aterciopelado que tenia la ortocromática y que podía ser trabajada para conseguir efectos casi de aguafuerte.

Se tiene que revelar de forma mecánica en el laboratorio, y eso hace que no se puede controlar la calidad por parte del fotógrafo. Admite la grabación óptica del sonido, y eso supone tener un material que permitirá el sonido.

No hubo color hasta finales de los años ‘20, cuando entra el color de tricromia en el cine, y entra en manos de la fotografía.


Iluminación:



Al principio no utilizó luz artificial por que no había una luz suficientemente potente como para iluminar un decorado e impresionar un película, en un primer momento, la luz solamente será funcional, pero a partir de 1906 se tiene un instrumento bueno para estudios cinematográficos, deja de rodarse al aire libre y se pasa a los estudios cerrados, eso pasa con las lamparas de vapor de mercurio (hasta 1919) que daba una luz difusa que todavía no podía trabajarse por que no eran direccionales, lamparas cuya luz favorecía la película ortocromática por que era un tipo de luz en la que predominaba el azul.

En la segunda etapa de la iluminación aparecen las lamparas de Arco que se habían utilizado ya para el teatro y alumbrado urbano y empiezan a utilizarse en el cine; su ventaja es que no hacían tanto ruido como las de mercurio y por que las de mercurio estallaban y eran venenosas. Estas lamparas convivieron muchos años con las otras y la coexistencia fue como una especialización.

las de mercurio para la iluminación general y las de arco para la iluminación direccional. Cuando se tiene estos dos tipos de lamparas se va gestando un modelo de iluminación de plano.

El cine tiene dos vocaciones que se van concretando hasta considerarse maduras en los años ‘40.

No importa que la cinta no tenga banda de sonido, hacia el 26 por que lo que sí tiene desde un principio es palabra de comentarista y música, pero no en la película y tenían ruidos hechos en sala. El estudio de los laboratorios cinematográficos para conseguir sonido no es cosa de poco tiempo, fue un proceso muy lento y que tuvo grandes fracasos por el camino, como la incorporación del sonido a las películas por medio de discos de cera sincronizada. Ese perecimiento no era muy espectacular por que la sala no ampliaba el sonido y los discos se rompían en las distribuciones y se rallaban.

El segundo paso fue ya el correcto, que fue la incorporación del sonido a la banda del celuloide, con tecnologías de las comunicaciones del ejercito y la telefonía.

El color también esta en el principio del cine, por que incluso en los anuncios, daban a conocer que lo hacían con colores por diferentes métodos:

- Tinte. (Película positivada.)
- Virados. (Se aplicaba en los negativos, color uniforme).

Se tarda bastante en conseguir procedimientos que no sean manuales y se investiga en el sentido de que un color sea de origen fotográfico, y como línea precedente, los laboratorios del cine no se dedican a eso, se dedica una compañía llamada “tecnicolor”, que empezó en 1916 investigando el color, estudió durante 15 años sin tener beneficios por que no daba con un procedimiento que fuera universal y sirviera para todos los cines, pero continuó adelante y durante los años ‘20 empezó a tener beneficios, muy escasos, pero por que comercializó un procedimiento inmaduro que es la Bicromía, pero ellos querían llegar a la tricromía.

La bicromía es un paso intermedio entre la fotografía y el tinte, y tiene colores rojos y verdes y tiene el negativo en blanco y negro, sólo afecta a unas escenas determinadas de las películas, el resto se podía colorear con los procedimientos habituales. Mezclando los colores rojo y verde también obtenían el marrón o pardo.

Tecnocolor se estaba arruinando por que no podían estar más años sin tener resultados, por esa misma razón sacaron al mercado la bicromía, pero no se confiaba mucho en este procedimiento, en muchas ocasiones tecnicolor regalaba el proceso para que pusieran el nombre de la empresa en la película y también buscaban mecenas que promovieran el uso en las películas, esto pasó hasta finales de los ‘20, ese procedimiento no salió de América, y el siguiente paso , dado en los ‘30, fueron las distintas etapas del tecnicolor:

- Tricromía.



Procedimiento que afecta ya al negativo, color que en principio tiene tres negativos o matrices, cada una de un color primario: amarillo, azul y rojo.

Colores que fotografían los negativos, cada uno de un color y cada uno en un paquete diferente y para ser impresionados necesitan unas cámaras especiales. (Tripack: designa el triple rollo de celuloide).

Las cámaras de tripack sólo las podía manejar un técnico de tecnicolor, no se admitía otro técnico y esto produjo problemas con los sindicatos.

Tecnicolor tardó mucho en salir, pero exigió unos inspectores de su empresa que iban a los rodajes para inspeccionar si el decorado y el escenario se ajustaban bien a las exigencias del tecnicolor.

Surgen otras empresas, como Maxfactors, empresa de maquillaje de actrices y actores.

La empresa Tecnicolor hizo una campaña de sensibilización de que el color era parte de la vida y el color favorecía alas películas, fue una campaña para que se usara de manera general, pero tardó mucho por que tenía inconvenientes y por que Hollywood creía que una película de color era un espectáculo; para ellos el color era bueno para el musical, para el Western y también en escenas en color en películas de blanco y negro para darles un carácter onírico.

A partir de los años ‘50 - ‘60 se va generalizando el color y el blanco y negro y va quedando para el Thriller o cine negro y para las vanguardias de los ‘60 para reivindicar su carácter de vanguardia.

Tecnocolor se une con Eastmancolor y juntas dan el último empuje al color con la invención del Monopack, que es un sólo rollo, más fácil de manejar y que se puede usar en cámaras normales, siendo una empresa dedicada casi exclusivamente a la televisión y a la N.A.S.A.

- Ben-Hur.
- Los 10 mandamientos. 1923-24. No es un color limpio, tiembla mucho.

Organización de la producción.



La producción en Hollywood es diferente a la de Europa, por que es una industria que trabaja artesanalmente, sus productos tienen una característica que las diferencia.

En 1912 uno de los estudios de Hollywood tenía departamentos ejecutivos, que programaban todo, departamentos de producción (manda sobre todos los aspectos, tiene el presupuesto, contrata a los extras…), departamento de dirección, departamento artístico, vestuario, accesorios, electricidad, mecánica, laboratorio, ventas, publicidad, transporte…El trabajo de todos se materializa en la elaboración y la estructura de un guión.
Las primeras películas no tenían guión, era contar lo que se veía; cuando empiezan las películas de larga duración si que tienen gran necesidad de guión, por eso se pasa de los guiones literarios al guión de continuidad (Por que con el montaje cada vez más

Géneros cinematográficos.


Los grandes géneros son de Europa, influidos por lo que estaba naciendo en Europa, por ejemplo, las películas históricas colosalistas.
En Hollywood, con el auge de las primeras compañías y la guerra, y teniendo en cuenta el modo de producción industrial y la estandarización tenía lugar una especialización temática y de diseño de producción, y esta especialización empieza de un modo sistemática en los ‘20 y continua vigente hasta los años ‘50, en que tiene que reconvertirse en el campo de la televisión y competir con un nuevo cine europeo.

Estandarización:



Uniformidad de elementos para abandonar los cortes.

Estandarización. Vale para la técnica, celuloide…

Se llega a la conclusión de que para estandarizar hay que especializar al personal por que así se abaratan los costes y produce una calidad media superior a una producción arbitraria.

Géneros.



Van formándose en los años ‘20, prácticamente todos menos la ciencia ficción, y tienen en común la línea temática, que va variando con el tiempo y el diseño de producción.

El tema descansa sobre novelas y relatos que luego son trabajados por los guionistas especializados.

Diseño de producción:



Lo que tiene que ver con la visualidad de la película, uno de los elementos más caros: escenografía, vestuario, iluminación y objetos; cuando un género esta ya estandarizado, el hacer bien todo lo anterior es más fácil.

Los decorados de una película: No dependen necesariamente de la arqueología ni de la verdad histórica, lo que hay en la verosimilitud histórica (apariencia de que puede haber sido así).

El eclecticismo:


Es un decorado cinematográfico, consiste en la mezcla de elementos de distintas épocas y sacarlos de su contexto histórico.
Se acumulan estilos, que sean eficaces y que tengan connotaciones simbólicas.
Otro género es la fragmentación, la arquitectura de cine no esta construida para ser habitada o para ser transitada, tiene elementos falsos y la construcción del objeto no tiene por que tener continuidad espacial y esta hecho en función de la planificación.

Hipertrofia:


Los elementos del decorado, que son más reconocibles por el espectador y pueden ser más efectivos para la cámara, se hacen mayores de lo normal en detrimento de otros que no tienen tanta importancia.

Simplificación:



Prescindir de todos los elementos decorativos, dejando sólo los que sean reconocibles para el público o estéticamente eficaces.

Generismo:



Según los géneros, hay un predominio de un estilo o de otro, e incluso de iluminación, por ejemplo, la comedia es un género que pide una arquitectura muy moderna, de superficies lisas y claras y rayando en el vanguardismo, y además, una iluminación poco contrastada (luz muy intensa), con poco contraste de luces y sombras y así se consigue un ambiente optimista.

El terror, que crece a partir de los ‘30 y se alimenta de arquitectura gótica, pero es neogótica, que consiste en aplicar los arcos góticos y otros elementos en cualquier espacio que este en consonancia con la escena. El uso de la falsa perspectiva, que deriva del teatro barroco, que es trazar los puntos de fuga de forma que pareciera más profundo de lo que era, pero los directores heredan de los alemanes un sistema de representación de la falsa perspectiva que les permite construir, incluso calles animadas en el estudio.

Destrucción controlada.



Destrucción que se vea en la película y se aplica a películas coloreadas y en principio, bíblicas o históricas.

Empezó en Italia en películas como Cabiria o La caída de Pompeya, la erupción volcánica estaba hecha con montaje fotográfico.

Esto pasa a otro tipo de películas como la de aventuras (inundaciones), estas escenas están diseñadas por los ingenieros del estudio, que creaban unas arquitecturas que podían disgregarse y destrozar sin destruir el material y poder devolver a su sitio posteriormente y diseñar el hecho de que no hubiera accidentes.

Los estudios en los años del cine mudo no tenían una noción de los diferentes géneros cinematográficos, la noción de géneros nace en los años ‘70, para que se hable de ellos de manera teórica, antes de seso hay unas nociones generales de carácter temático y que son aceptadas sin crítica. El género cambia de unos sitios a otros.

Los géneros cinematográficos no son uniformes en toda su historia, tienen etapas y además, no todos crecen o se desarrollan simultáneamente sino que algunos alcanzan madurez muy pronto y hay algunos que mueren y otros que son eternos (Thriller). Hay un periodo de formación de cada género, un periodo de clasicismo y de plenitud cuando el género entra en una sintonía especial con la cultura que le rodea (edad de oro), hay luego un manierismo (el periodo en el que pierde fuerza en su planteamiento primitivo y sus creadores se dedican a exagerar sus rasgos o a reflexionar sobre el género desde dentro), y por ultimo, el género en su fase crepuscular, que ya ha perdido vigencia como tal y para darle vida o interés, se mezcla con elementos de otros géneros o se hacen variaciones de la época en que transcurre la acción.

Género cómico.



No hay que confundirlo con la comedia por que esta es larga y el género cómico es de formato corto, para completar la programación.

No es un género que haya nacido en EE.UU. sino en Francia, y todos piensan que “El jardinero regado” de Lumiere es le origen y la primera.

En Francia se extendió rápidamente la afición por este cine, y los pioneros fueron payasos y gente del espectáculo del cabaret y discípulos de Meliés, los grandes productores como Pathé y Checa recogieron esa tradición y también hicieron cine cómico, consiguiendo unos efectos que fueron mucho más avanzados que los de los americanos , dentro de la misma época.

El cómico francés más importante y creador es Max Linder, que empezó a trabajar con Pathé y Checa y creó un tipo de humor basado en las situaciones y personalidad del propio cómico, que es elegante, muy refinado e imperturbable.

En EE.UU. se introdujo el género burlesco y sobretodo tiene un florecimiento posterior por que EE.UU. aprovechó la guerra ara hacer una producción masiva de cine y exportarlo a Europa, entre 1912-30 es cuando florece la industria del cine cómico y se difunde por Europa.

En EE.UU. el que inaugura la etapa cómica es Mack Sennet, él había trabajado en la Bibliograf, trabajó con Griffith. Él funda su propia compañía y crea la Keystone, que se dedicaba exclusivamente al corto cómico. No tenían mucho presupuesto y su cine es pobre, o sea, que la producción es frenética, sin ensayos, improvisando en la calle en muchas ocasiones, sin guiones al principio y confiando en la “Vis cómica” de sus actores y de los elementos, que siempre se repiten, como el policía burlado, la persecución de coches, a menudo con riesgos y sin uso de transparencias, lo hacían con acróbatas; los golpes de tartas de crema también es un recurso muy utilizado.

Él no es el creador del chiste visual (Gag), y el chiste sonoro se reproducía en sala y se llamaba Mickeymousing.

La puesta en escena.



El encuadre suele ser fijo, a pesar de que como hay tanto movimiento interior da la sensación de que el encuadre se mueve mucho. No sólo se mueven los objetos sino también los actores se mueven frenéticamente. Hay una tendencia al desplazamiento de los personajes de un cuadro a otro en sentido horizontal, como si el mundo fuera una banda animada que no tiene final.

Hay poco montaje por que los planos duran mucho y el montaje que se necesita es muy lineal, y en losa momentos de mayor suspense o peligro, los planos van siendo de más corta duración.

Comedia americana.



El género burlesco se llama también “Slapstick” y se refiere a cuando hay carreras, tartazos… también se puede llamar cine de “Gag”. No hay una coherencia de planteamiento temático en toda la obras. Muy parecido al cine primitivo.

Hay que esperar al cine sonoro para que llegue la edad de oro de la comedia americana o Screwball (lo importante es la estructura de la comedia, no tiene necesariamente Gag y se parece a la comedia teatral, también tiene motores como el “Equívoco”). Este tipo de comedia no florece en el cine mudo por que necesita la palabra por que proviene del teatro y de su manera de haber, por que no puede haber una discusión entre personajes si tienen que comunicarse a través de intertítulos.

Hay una serie de temas de Screwball que provienen del Slapstick y los incorpora en su modos de hacer como son las persecuciones. Y del mismo modo, en el cine mudo hay comedias inspiradas en el teatro, pero no es la época de oro de la misma.

La comedia se base en el equívoco y la posibilidad del interclasicismo (Matrimonio entre diferentes clases sociales).

la comedia llegará de Alemania por Lubitsch (desde muy joven trabajó en comedias muy ácidas y el tema predominante es el ansia de dinero y una posición cínica ante la vida), Von Stroheim (austríaco, trabajó en “Corazones del mundo”. había trabajado con Griffith y venia de una tradición literaria de gran pesimismo y rigidez, a parte de cinismo. Estos dos personajes, junto con muchos otros, explican el origen de la comedia americana.
Cine colosalista histórico-bíblico.

Nació como réplica a lis italianos. “Intolerancia”, “Ben- Hur”…son unas de las películas en que siempre había algo espectacular que llamaba la atención al espectador y suele estar situada en medio de la película, el resto es aburrido.

Estas películas son de las pocas que incorporan la bicromía, generalmente parcial y en escenas no muy largas.
Ejemplos: “Los 10 mandamientos”, de 1922, “rey de Reyes” y “Cleopatra”, todas ellas de Cecil B. de Mille.
Son películas muy hieráticas y coloristas, pero con atracciones para animar al público.

Cine Western.



El primer es “el asalto y robo a un tren” de 1903, donde es muy importante la persecución a caballo, el asalto el tren, la escena del salón…Es como una miniatura que da las bases del cine posterior que se llamaría Western. a partir de los años ‘80 va muriendo, fue el primer género que desapareció. Muchos de sus valores ya son ininteligibles.

En esta época todavía no había alcanzado la edad de oro por que no era considerado como un género a tener en cuenta por parte de la crítica cinematográfica, lo consideraban como un circo filmado, realizado por gente granjera, también los indios eran contratados para las películas, en grandes cantidades por que vivían en las reservas. Estas películas eran películas cortas, muy abigarradas de acción.


Autor:

Tejedor Y Noblejas





Creative Commons License
Estos contenidos son Copyleft bajo una Licencia de Creative Commons.
Pueden ser distribuidos o reproducidos, mencionando su autor.
Siempre que no sea para un uso económico o comercial.
No se pueden alterar o transformar, para generar unos nuevos.

 
TodoMonografías.com © 2006 - Términos y Condiciones - Esta obra está bajo una licencia de Creative Commons. Creative Commons License