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Canto Clasificación voces - Monografía



 
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Música. Lenguaje. Clasificación voces. Timbre. Volumen. Espesor. Mordiente. Vocabulario musical

UNIVERSIDAD DE MAR
ESCUELA DE CIENCIAS SOCIALES
FACULTAD DE PSICOLOGÍA

LENGUAJE Y EXPRESIÓN
“EL CANTO”

PALOMA GONZALEZ MORA
09 de agosto 2002

La voz.
El arte de cantar
La Voz


Parte 1: “La clasificación de la voz”



La voz es el único instrumento musical connatural al hombre. Su clasificación ha sido, es, y será siempre materia de encendidas discusiones. No existen dos teóricos que estén de acuerdo ni siquiera en lo que podría llamarse su extensión normal. En realidad, las diferentes ordenaciones varían de una escuela a otra, y en la mayoría de las ocasiones se tiene más en cuenta el carácter del personaje que se va a cantar que la extensión vocal del cantante. En Francia, por ejemplo, esta es la regla inconmovible. Además, no hay que olvidar que casi ningún compositor ha calificado las voces en sus partituras, limitándose únicamente a señalar su esencia: soprano, tenor, contralto, etc. Sólo hay una clasificación válida e indiscutible: la que divide a las voces según su género en dos grandes grupos: femeninas y masculinas. Partiendo de un criterio tan sencillo, intentaremos ordenarlas.

La voz femenina



- Soprano:

es la voz más aguda y suele dividirse en los siguientes tipos:
Ligera: si bien el volumen no tiene tanta importancia como en otros tipos de soprano, su extensión es la más amplia; voz idónea para realizar todo tipo de virtuosismos vocales, como son los ornamentos y adornos diversos. Doubrette: muy parecida a la anterior, aunque su timbre y tesitura suelen ser más graves.
Lírico - ligera: voz intermedia capacitada para acometer gran parte de los papeles de sopranos ligeras y líricas.
Lírica: más expresiva y con mayor volumen que las ligeras, no tiene, sin embargo, agudos tan firmes.
Lírico - spinto: supera en potencia y expresión a la lírica.
Dramática: posee unos graves más ricos que la lírico - spinto y el timbre es también más poderoso; cuando puede cantar ornamentos, se le suele llamar soprano dramática con agilidades.
Falcon: voz intermedia entre soprano dramática y mezzosoprano, casi equivalente a la mezzo ligera.

- Mezzosoprano:

de timbre rotundo y bastante más grave que el de la soprano, puede acometer agilidades muy complicadas. Suele dividirse en dos grupos:
Mezzo ligera: casi equivalente a la soprano dramática con agilidades y a la soprano falcon; debe estar capacitada para resolver agilidades auténticamente virtuosistas.
Mezzo dramática: casi equiparable a la soprano dramática, aunque sus graves son mucho más ricos y potentes.

- Contralto:

es la voz femenina más grave. De singular rareza, supera a la mezzo dramática en la potencia de sus graves. A veces puede hacer agilidades. En Alemania, país donde más se ha subdividido y estudiado la clasificación de la voz, se suele distinguir la contralto cómica, con capacidad para cantar ornamentos (conocida en otra época en Italia como contralto buffa) de la dramática.

La voz masculina



- Tenor:

es la voz masculina más aguda. Se puede dividir en:
Ligero: voz muy ágil capacitada para una perfecta vocalización y para entonar agilidades.
Cómico: equiparable al anterior. En Francia también se le conoce como tenor trial.
Lírico: de mayor potencia y firmeza en la proyección de la voz que los tipos anteriores.
Lírico - spinto: de mayor potencia y expresión que el tenor lírico. Cuenta con el repertorio más amplio de eta cuerda.
Dramático: de gran potencia en la octava central y en los graves; pobre en los agudos.

- Barítono:

voz más grave y aterciopelada que la de los tenores, casi nunca cuenta con agilidades.
Ligero o cantante: voz atenorada en los agudos; graves no muy potentes.
Buffo: muy parecido al anterior.
Bajo Verdi: característico en las óperas maduras de Verdi. Debe poseer agudos brillantes y graves aterciopelados.
Barítono - Bajo: voz de color oscuro que, sin embargo, puede emitir agudos brillantes. En Alemania, además, se considera como un tipo aparte el llamado bassbariton.

- Bajo:

es la voz masculina más grave. En determinados papeles cómicos tiene que acometer agilidades más bien difíciles.
Cantante: además de poseer un timbre relativamente ligero, debe resolver agilidades.
Helden: equivalente al barítono bajo.
Profundo: octava grave muy rica, agudos firmes.
Caractère y Hoher: tipos de voces que no se usan fuera de los repertorios francés y alemán. El primero está cercano al cantante y el segundo es un profundo corto.

 Notas sobre las distintas escuelas de canto



Los diferentes estilos o formas de cantar marcan tanto a los intérpretes como a sus dotes innatas. Esta verdad de Perogrullo siempre hay que tenerla presente en la misma medida que el origen, la lengua materna y, sobre todo, el país donde un cantante aprende a usar su voz. La primera escuela en importancia y también la más antigua es indudablemente la italiana. Contando con un idioma de sonidos claros, abiertos, como es el italiano, sus profesores siempre han dado la supremacía a la consecución de una línea vocal brillante y bien ligada, en la que la belleza del timbre y la potencia de la voz predominan sobre la compresión de los textos, a los que, por otra parte, pocos cantantes educados en Italia han dado todo su valor expresivo. España sigue muy de cerca estas pautas; raro es el cantante de nuestro país al que se le entiende lo que canta, bien sea en el campo operístico o en la música popular. Por otro lado, Francia, con una lengua eminentemente nasal, cuida al máximo la expresión de las letras, a veces incluso en detrimento de una buena emisión. Es la escuela de los matices, de las medias tintas casi acuarelísticas. Raro es el cantante galo al que no se le entiende lo que canta. En contrapartida, singular es también aquél cuyo timbre alcanza las alturas de belleza conseguidas con mucha mayor facilidad por un español o un italiano.
Alemania, con un caso muy parecido al de Francia, tiene que hacerle frente a un idioma gutural y a él supedita casi todas las técnicas vocales. Hasta qué punto es básico el no olvidar nunca la lengua en que se canta, nos lo prueba uno de los defectos más criticados en un cantante meridional. Nos referimos al entubamiento. Entre los germanos es casi una característica natural de sus intérpretes, debido precisamente al idioma y al uso de las cavidades de la garganta y de la cabeza, al contrario de los italianos que, en su lugar, emplean las frontales del rostro o máscara, además de su luminosa lengua. La escuela inglesa sigue a la alemana, aunque también ha incorporado diversos métodos galos o italianos.
Quizá sea la norteamericana la que haya logrado la mejor síntesis de estas tres grandes instituciones, haciendo realidad, por una vez, la famosa y sobrada frase de que su tierra es crisol de culturas diversas. Las escuelas eslavas, por otra parte, tan ricas en el manejo y emisión de las voces graves, muestran una espantosa tendencia a no saber controlar la emisión de sonidos agudos, casi todos desfigurados por un marcado trémolo, principalmente en las cuerdas de soprano y tenor. No debe descartarse tampoco la impronta que sobre estas características ejercen las diversas lenguas del este de Europa.

 El Arte del canto. ¿Qué es cantar?



El canto es una forma de utilizar la voz humana que exige un funcionamiento especial de los órganos de la formación, en relación, por otra parte, con la sensibilidad auditiva. Así, pues, se aprende a “cantar” imponiéndose una gimnasia vocal particular, controlando los músculos que intervienen en la producción de los sonidos, la respiración, etc. Ese aprendizaje puede hacerse espontáneamente, por imitación, en un medio social determinado (como es el caso del canto “popular” o “folklórico” y, de una manera más general, el de la etnomúsica vocal), o por una especie de adiestramiento, acústico o tónico, en una escuela de canto, según convenciones muy definidas, y diferentes según los lugares y las épocas. No se les enseña a cantar del mismo modo a un muecín, a un chantre de la iglesia romana y a una diva de la ópera de Milán.
En lo que se refiere a su estructura, los órganos de la fonación son iguales en el hombre que en la mujer, sólo difieren por sus dimensiones (cuerdas vocales más largas y más sólidas en el hombre que en la mujer; diferente volumen de las cavidades de resonancia, etc.) Por término medio, entre adultos, las voces de mujer están a una octava más alta que las de hombres.
La clasificación de la voz humana se hace en función de los límites entre los que una voz se mueve sin dificultad (es lo que se llama tesitura; tenor, barítono, bajo, etc.), de las calidades de timbre (el registro: voz de pecho, voz de cabeza) y cualidades más específicas (tenor lírico, tenor dramático, bajo cantante, bajo profundo, etc.)
Hay que añadir que el canto puede practicarse en solo o a varias voces (dúo, trío, cuarteto, quinteto, sexteto y coros). En este último caso se dice que las voces cantan al unísono cuando todas ellas (voces = partes) cantan la misma melodía, en el mismo tono, con las mismas notas, etc., en caso contrario es un canto a varias voces. El canto a varias voces se divide a su vez en homofónico (todas las voces quedan subordinadas a una voz principal) y polifónico (cada voz es independiente de las otras).
Finalmente, el canto puede ser a cappella, es decir, sin acompañamiento instrumental, o acompañado (por uno o varios instrumentos).

La voz - Su clasificación



1 - Introducción



La voz no es igual para todas las personas, así pues no puede participar con sus mismas cualidades. La voz es una de las expresiones humanas en donde más se pone de manifiesto las características del indivíduo, englobándose en ellas tanto las constitucionales, anatómicas como anímicas.
Es en el canto, donde las características de la voz, como son el timbre, tono e intensidad se ponen de manifiesto y determinan las diferencias de cualidad, que esperamos hallar en la voz cantada.
Debemos entender, que una voz no puede servir para interpretar toda la música existente, toda voz tiene y debe ser conocedora de sus limitaciones.
La clasificación de la voz, sirve para que se obtenga de un modo óptimo sus posibilidades en la interpretación, evitando el esfuerzo muscular impropio, que terminaría dañando la laringe.

 2 - Carácter agudo y grave de la voz. Su importancia



Una voz con un caracter grave tiene una gran sonoridad y si el cantante quiere encuadrarla como aguda o así se la ha clasificado, aumentan las posibilidades de producir lesiones en las cuerdas vocales citando como ejemplos: núdulos, pequeños edemas, zonas de induración y otras lesiones dentro de este tipo de patología laríngea,que lesiona las cuerdas vocales Si contrariamente la voz es aguda y es clasificada o encasillada como grave, los efectos vocales deseados de una voz aguda, como son los sonidos redondeados o filados, son imposibles de conseguir, y además existe la posibilidad de lesionar también el órgano laríngeo.
Una frase conocida del Dr. G. Canuyt, nos dice que en el canto, las voces enfermas y fatigadas, son las voces mal clasificadas.

 3 - Recuerdo histórico



En el siglo primero ya se clasificó la voz, pero su clasificación se basaba por la calidad (dulce, áspera, sonora, clara etc) y por la cantidad (grande, mediana y pequeña), según escritos de Quintanillo (orador romano).
Fue en el renacimiento con el inicio del canto coral, cuando se incia una clasificación, tal como la entendemos actualmente,correspondiendo a tenor y bajo en el hombre y a un contralto y contratenor en la mujer.
Pero fue a mediados del siglo XVIII, cuando se inicia de un modo más serio, las diversas clasificaciones, así pues, se escribe música para bajos, barítonos y tenores, respecto a las tesituras masculinas ;y contraltos, mezzos y sopranos, para las tesituras femeninas.
La escuela francesa en el siglo XIX nos describe la siguiente clasificación: para las voces de hombre, voz grave (contrabajo), voz media ( barítono), y voz aguda (tenor). Para las voces de mujer: voz grave (contralto), voz media (mezzosoprana), y voz aguda ( soprano).
La escuela italiana, efectua unas diferencias que se centran en tenores graves, agudos y ligeros; y respecto a los bajos en, bajos cantantes y profundos; y en cuanto a las sopranos en sopranos dramáticas, líricas y ligeras. Estas subclasificaciones, se pueden extender a los otros tipos de voces. Esta escuela, inicia la clasificación sobre el timbre y el denominado color de la voz.
Dentro de este apartado histórico, señalamos la divergencia existente sobre el punto de vista de los diversos autores, ya que respecto a los límites de cada voz, confluyen muchos aspectos de dificil encasillamiento.

4 - Clasificaciones



4A - Clasificación sexual



No es importante dicha clasificación, por obvia y posiblemente por simplista, de todos modos a grandes rasgos comentamos que la voz de mujer se halla condicionada por las características anátomo-fisiológicas propias y que la laringe de la mujer, presenta unas medidas que oscilan entre 3,6 cm de altura , 4,3 cm. de anchura y un diámetro anteroposterior de unos 2,6 cm.; y la longitud de las cuerdas vocales se situa entre los 1,5 y 2 cm.
La mujer canta una octava más aguda que el hombre.
Respecto al hombre, observamos una laringe de mayor tamaño, situándose esta entre los siguientes parámetros; una altura de unos 4,9 cm. y otros tantos de anchura y un diámetro antero-posterior de unos 3,5 cm. Las cuerdas vocales acusan una longitud de unos 2 hasta 2,5 cm.

El hombre canta a una octava de diferencia por debajo de la mujer.
Otro capítulo a mencionar dentro de esta clasificación, son las voces infantiles, que se corresponden a laringes de pequeñas dimensiones, y la voz infantil, se puede considerar, como voz de tránsito hasta que sobreviene la muda vocal.
Otras voces a tener en cuenta, pero que solo las describimos como clasificación teórica, son las voces eunucoides o voz de castrado. Se obtienen por la falta del desarrollo de los carácteres secundarios sexuales, ya que se han extirpado las glándulas sexuales antes de la pubertad. La laringe se queda con un tamaño reducido.

4B -Clasificación por tesitura


Es una clasificación importante, no la única pero si interesante y que debe conocerse.
Se define, como aquella, que clasifica la voz por su amplitud tonal. Es en la amplitud tonal adecuada, en la que el cantante se mueve a su comodidad sin apurar las notas extremas. Esta amplitud tonal, se situa entre dos octavas y evidentemente hay bastantes excepciones.
Son pués, el conjunto de notas que puede emitir una determinada persona.
Un sentido correcto de interpretar la tesitura, es el que situa el conjunto de sonidos, en los que la voz se adapta mejor, es pués, la parte de la gamma vocal, en que el cantante se siente cómodo, sin ningún tipo de fatiga.

Tipos de voz según tesitura:



Importante: Se exponen dicha clasificación como esquema orientativo, siendo susceptible de variación según voces.

Tipos de voz Mujer Hombre
Voces agudas Soprano Tenor
Voces medias Mezzo-soprano Barítono
Voces graves Contralto Bajo
Voces intermedias Son voces que poseen propiedades de uno u otro grupo.

Teniendo en cuenta la tesitura se pueden situar, las voces de mujer entre:

Mujer
SopranoDo3, hasta DO5
Soprano ligeradesde el DO3 hasta el FA5
Mezzo-soprano lírica desde el LA2 hasta el LA4
Contraltodesde el SOL2 hasta el SOL4

Siguiendo con esta clasificación se situan las voces de hombre entre:

Hombre
Tenordesde el Do2 hasta el Do4 (se valora el tenor lírico,
spinto y el dramático)
Barítonodesde el Sol1 hasta el La3 ( El lírico, puede llegar a
Si,3 )
Bajodesde MI1 hasta el MI3

Debemos señalar, como ya hemos expuesto anteriormente, que entre la voz de hombre y de mujer, una misma nota en el pentagrama, supone una diferencia de octava. En clave de sol, un La del segundo espacio, (La,2) para un tenor, es un La del tercer espacio, (La,3) para una voz de mujer.
Puede tambien señalarse que la frecuencia de cada nota se mide en hertz, pero puede presentar variaciones, según el tipo de instrumento en que se emita, o bien según el punto geográfico, (cambios de altitud, presión atmosférica etc). El La,3 del diapasón es la base de la afinación instrumental y se ha fijado en 440 ciclos por segundo.

4C - Clasificación por timbre



El timbre se puede definir, como la cualidad que nos permite diferenciar dos sonidos, que acusen una misma intensidad y frecuencia. Los sonidos no son puros, es decir, no tienen un movimiento armónico simple (sería el diapasón). Los sonidos provienen de movimientos vibratorios complejos.
Se denomina armónico, cada sonido puro, correspondiendo el primer armónico, al sonido más grave del período. El timbre esta formado pués, por muchos armónicos, y depende del cuerpo sonoro que forma el sonido, el número de armónicos que tiene este sonido.
En el caso de la voz humana, el timbre, en parte depende, del tipo de cuerdas vocales del individuo, de su modo de vibración, y de las cajas de resonancia (senos paranasales, cavidades supralaríngeas, cavidad orofaríngea).
Desde 1956, Husson, ha distinguido ( por estudios fisiológicos realizados en Paris. Universidad de la Sorbona), dos timbres en cada voz humana. Timbre vocálico y timbre extravocálico.
El timbre vocálico se corresponde a circunstancias fisiológicas condicionables, incluyendo aquí todas la técnicas de aprendizaje ; y el timbre extravocálico depende en exclusividad de la constitucionalidad laríngea, y es el que caracteriza la voz de cada individuo.

En el canto o arte lírico las cualidades del timbre son las siguientes:



1.- Color



Basicamente, es la técnica empleada o bien es la conducta vocal, la que determina el color del canto, siendo este claro u oscuro. Dentro del color, tenemos la eufonía, siendo esta, el matiz que el cantante emplea en la emisión vocálica, así pués,un cantante puede presentar una eufonía clara u oscura
El color se puede analizar, si se estudia mediante los analizadores del espectro sonoro vocálico. En este estudio las coordenadas son la intensidad y la frecuencia, y según se desplazca la gráfica, obtenemos diversos timbres.

2.-Volumen



Se encasillan las voces en pequeñas o en voluminosas. Las primeras no son válidas para grandes interpretaciones o salas de concierto. Quizá este punto tiene su importancia en la sensación de acercamiento o lejanía que se quiere ofrecer o transmitir a lo largo de una interpretación.
El volumen de la voz, depende casi exclusivamente de la presión del flujo aéreo ascendente, que incide en la subglotis de la laringe del cantante.

3.-Espesor



El origen del espesor de la voz, lo situamos en las características de las cavidades de resonancia y principalmente en la cavidad orofaríngea. Son las sensaciones de inflados, a mayor abertura de la cavida orofaríngea, mayor es el espesor de una voz.

4.- Mordiente



Se situa el mordiente según el grado de elasticidad y tonicidad de la musculatura laríngea. El mordiente es tambien el grado de brillantez de la voz.
Una buena tonicidad implica que en la emisión del canto, el cierre de las cuerdas vocales o del espacio glótico, se presenta firme. De todos modos la afectividad y otros factores durante el canto, condicionan el grado de brillantez o mordiente de la interpretación.

5.- Vibrato



El vibrato es cuando el cantante apoya su voz, es decir,existe una modulación de frecuencia más baja, con su intensidad y frecuencia, que se superpone a la del cantante. No debe confundirse el vibrato con el “trémolo”, que sería una cierta inestabilidad vocal.
De modo esquemático, según el timbre podemos observar voces claras; pequeñas o voluminosas (grandes); débiles (delgadas) o espesas (gruesas); destimbradas (lisas) o timbradas (brillantes); y con mayor o menor vibrato.
La clasificación por timbre afecta directamente al estilo de la voz, y a las posibilidades expresivas del cantante, además debe escucharse el gusto del público.
Para finalizar, el timbre es sutil e indefinible , siendo el responsable que dos voces conserven su individualidad y sean inconfundibles, es en definitiva, la personalidad de cada voz.


A Cappela:Cualquier clase de canto sin acompañamiento instrumental.



Acciaccatura: Ornamentación vocal que consiste en cantar una o dos notas con rapidez, situadas por encima de la nota principal, a la que preceden.
Afinación: Es la exactitud de la altura o frecuencia de un sonido emitido conforme a la nota escrita. Por ello, se dice que se canta afinada o desafinadamente. Casi siempre éste último caso se refiere a la emisión que no alcanza la altura precisada, sobre todo de las notas más agudas, lo cual puede deberse a cansancio o a una técnica vocal defectuosa. También recibe el nombre de entonación o timbre perfecto.
Aire: Fragmento casi siempre breve cantado por un solo cantante; su estructura es más libre que la del aria.
Apoyatura: Figura musical que consiste en preparar la emisión de una nota con otra cercana, distante de un semitono o un tono, inferior o superior. Se usa casi siempre en los recitativos. Hay dos clases de apoyatura: la corta o rápida, apoyatura propiamente dicha, dura lo mínimo posible y da una sensación de agilidad; la larga, lenta o Acciaccatura, dura tanto como la nota que se va a cantar, que resulta disminuida a la mitad de su valor.
Aria: Sólo de estructura elaborada en el que una misma melodía puede repetirse con letra diferente. Su objetivo es la expresión de los sentimientos y su forma más conocida es la llamada Da capo, compuesta por tres secciones: A-B-A1, la segunda de las cuales contrasta con las otras dos; la tercera es la repetición de la primera pero ornamentada. Las principales clases de arias son: di sortita (de salida); di carattere (de carácter); di sentimento; di strepito; agitata; infuriata; d’imitaziones; da símile; di bravura (a plena voz); di agilità; di portamento (para exhibir la extensión de la voz y la dinámica de los matices, sin ornamentación); di catalogo; cantabile (dulce y triste, con ornamentos expresivos); di lamento; del sonno (del sueño); parlante; declamata. Por su estructura, además de la da capo, sobresalen las siguientes: in rindó (A-B-A-C-A); variata (con variaciones); concertato (con obbligato de un instrumento) y senza accompagnamento (a capella). Por otra parte, existían las llamadas di baula (del baúl; escritas a la medida de un cantante); y di sorbetto (del sorbete; el público aprovechaba en este momento para salir de la sala y comer o beber algo), entre otras.
El aria evolucionó hacia finales del siglo XVIII y pasó de ser tripartita (da capo), a bipartita (lento-rápido, casi siempre); sus temas podían contrastarse entre sí: 1ª parte, dramática; 2ª parte, lírica. Con el paso del tiempo, la primera sección asumió el nombre de aria, y la segunda, el de cabaletta.
Arietta: Más modesta que el aria y casi siempre equivalente al aire, tiene pequeñas dimensiones; suele contar con ornamentos y su carácter es alegre, lo que la diferencia del aire, que puede ser también triste. Tiende a confundirse con la canción (forma: A-B-A).
Arioso: Estilo de escritura vocal que recuerda al recitativo; de éste toma la libertad rítmica, aunque la hace más mesurada; del aria aprovecha su lirismo y su expresividad, evitando su rigidez formal.
Articulación:Claridad y distinción en la interpretación de los sonidos musicales; para ello, hay que tener en cuenta timbre, duración, altura, respiración, vocalización, e impostación de la voz. Implica un fraseo, ataque, legato y staccato perfectos.
Ataque: Forma de emisión del sonido vocal.
Atonalismo: Lenguaje musical que consiste en prescindir de las tonalidades, o sea, utilizando los doce semitonos en que se dividen los periodos u octavas de las notas, en lugar de los cinco tonos y dos semitonos de la escala tonal. El atonalismo puede ser serial, cuando se fija la asociación ordenada de dichos doce semitonos: es la llamada música serial dodecafónica. Si no se determina ninguna serie, se denomina atonalismo libre.
Bajo: Voz masculina grave, cuya extensión normal son dos octavas (fa grave - fa agudo). Si la parte más sólida de la voz es el grave se denomina bajo profundo. Al contrario, bajo cantante.
Balada: Pieza musical de origen cantable, destinada primitivamente a ser bailada, que narra una historia. En el romanticismo, autores como Chopin o Brahms la convirtieron en obra para piano.
Ballet de Cour: Uno de los antecesores de la ópera. Es un espectáculo cortesano de origen francés en el que se mezclaban danzas y cantos. Tenía carácter alegórico de alabanza a los monarcas.
Baritenor: Voz de tenor con graves de barítono. Aparece en las óperas de Rossini, en el momento en que se estaba formando la distinción vocal entre bajo y barítono.
Barítono: Voz masculina media (extensión: la grave - fa agudo). Según el color y el peso del material, hay barítonos dramáticos y líricos o nobles, que suelen corresponder a personajes de mayor o menor edad, respectivamente. De origen francés, el llamado barítono Martin se caracteriza por ser una voz mixta, de barítono por su extensión y de tenor por su color y su levedad,
Bel Canto: Estilo de canto caracterizado por la sola consecución de la belleza (opuesto por ello al Verismo); en él predomina la perfección de la emisión vocal; todo se doblega a las exigencias técnicas de la vocalización. Sus intérpretes deben poseer un timbre variado en los legatti; un gran controlo de la respiración; un rico muestrario de matices expresivos y un dominio perfecto de la mesa di voce; virtuosismo casi instrumental para entornar giros y escalas rápidas unidas a otros ornamentos; capacidad de improvisación y de adornar las repeticiones de la melodía. Depende de la riqueza de las notas del centro de la voz, de la redondez de las vocales, y del control perfecto de los llamados registros de pecho, de cabeza y de falsete. Antepone el canto en legato a la articulación del texto. Las notas más agudas no tienen una sonoridad tan marcada como las centrales. Su época de apogeo y gloria va desde 1680 a 1830, más o menos. Rossini puso todos los recursos del b.c. al servicio de la expresión del texto.
Bravura: Esta palabra tiene dos sentidos en el mundo del canto operístico: designa el canto con numerosas dificultades técnicas, que ponen a prueba al cantante y permiten su lucimiento, estimulando que el público grite sus clásicos ¡bravo!. En su origen, la palabra definió el canto de empuje y valentía.
Cabaletta: Si bien en un principio significó una aria breve, a partir de finales del siglo XVIII adquirió un sentido actual: parte segunda de un aria, casi siempre animada y brillante. Con Donizetti y Bellini, asumió un carácter más dramático y se volvió más lenta.
Cadenza: Ornamentación elaborada sobre una cadencia en un momento dado de un aria, casi siempre sobre los acordes de cuarta y sexta. En el aria da capo hay tres cadenze, la última de las cuales permite al intérprete hacer un verdadero derroche de adornos.
Calando: La emisión del sonido se retarda y su volumen disminuye.
Calderón:Signo que implica la prolongación de una nota y la oportunidad de adornarla; es la cadenza improvisada por un cantante en un punto dado de la partitura fijado por el compositor, casi siempre sobre la cadencia que precede el fin de una aria.
Cancán: Baile frívolo de ritmo muy movido, en el que las bailarinas, con las piernas enfundadas en medias negras, imitan el movimiento de las víctimas sometidas a la tortura del mismo nombre, puesta con los pies desnudos sobre una plancha de hierro candente.
Canción: Pieza melódica para una o más voces (forma común: A-B-A).
Canon: Estilo de composición en el que una o más voces se imitan de manera estricta a la distancia de una octava.
Canzona:Canción formada por 3 o más estrofas; puede ser monódica o polifónica.
Cascada: Literalmente, caída. Es un adorno vocal que consiste en tomar una nota aguda, sostenerla y luego bajar por semitonos hasta resolver la frase. Se puede denominar también escala cromática.
Castrato: Cantante masculino que mediante la castración realizada en la niñez, a veces conservaba las cualidades de su voz (soprano o contralto) en la edad adulta. Superaba en potencia y en riqueza de matices a las voces femeninas y era capaz de hacer verdaderos despliegues deslumbrantes de virtuosismo vocal. En la actualidad sus papeles suelen ser cantados por contratenores, falsetistas o mezzosopranos.
Cavatina: En su origen, aria con una sola parte, señalada por su brevedad. Luego, sinónimo de aria de presentación. En la ópera clásica y romántica designa un aria breve que sigue inmediatamente a otra larga que acaba de cantar el mismo personaje.
Clavicémbalo: También denominado clavecín o harpsicordio y, en variantes muy determinadas y tamaño reducido, espineta o virginal. Es un instrumento de teclado que se utilizó hasta el siglo XVIII como parte de la orquesta o como solista en los conciertos con orquesta. En la caja hay un címbalo que es percutido por medio de púas, que en tiempo fueron de cuero, y en versiones modernas, de materiales plásticos.
Coloratura: Voz de origen italiano que se aplica a los pasajes cantados muy rápidos y con abundancia de adornos. Ornamentación elaborada de una melodía, por consiguiente, es una técnica y no debe aplicarse a ningún cantante. Antiguamente recibía el nombre de canto figurato.
Comedia del arte:Género teatral propio de la Italia de la época barroca, con personajes fijos (Pantalón, Polichinela, colombina, Con Tancredo, Arlequín, etc.), sin letra determinada, con un guión argumental sobre el que los actores improvisan los diálogos.
Comprimario: Papel secundario de una ópera, y quien lo representa.
Concertante: Antiguamente concertato. Número de conjunto en el que participan todos o casi todos los personajes y el coro de una ópera.
Continuum: Tejido musical que sirve del fondo al desarrollo de la trama, en el que los recitativos y números cerrados se funden de manera espontánea sin detener jamás el fluir de la música.
Contrapunto: Forma musical consistente en voces que se contestan o replican de manera independiente.
Contratenor: Voz masculina que, debido a la especial conformación de la glotis, posee un timbre femenino. En cierto modo sustituye a la voz del castrado. Se utiliza en la música antigua y barroca, en papeles que también se adjudican a voces de mujer. En inglés recibe el nombre de countertenor y en francés el de ténor hautecontre.
Contralto: La voz femenina más grave, cuya extensión normal cubre dos octavas (fa grave - fa agudo). Se le suelen confiar papeles de carácter serio o de anciana.
Copla: Cualquier tonada seguida de estribillo. Su música puede variar o no. También se la conoce con el nombre de couplet.
Coperto: Técnica vocal en la que la calidad de una nota se vuelve más dulce y de timbre más rico, mediante la acción de cubrir las vocales abiertas. Este sonido hace que la voz sea más expresiva y pueda colorear con mayor facilidad el sonido y sus matices, aunque implica la modificación de la emisión exacta de las vocales.
Crescendo: Pasaje musical con un aumento paulatino del volumen.
Cromatismo: Frase musical compuesta de semitonos, o sea, la distancia mínima entre dos sonidos afinados, llamada intervalo cromático.
Czardas: Baile de origen húngaro, cuyo nombre correcto es csárdas, y que consta de una parte lenta (lassú) y una parte rápida (friss).
Diatonismo : Carácter propio de una música que respeta la escala natural, sin alteraciones.
Drama musical: Género cantado en que los números cerrados y los recitativos ceden su importancia al desarrollo musical ininterrumpido de la textura. Surge con Richard Wagner, aunque otros compositores anteriores ya lo habían intuido y practicado en parte. No debe confundirse con la ópera.
Dicción: Forma correcta de pronunciar.
Divertimento: Serie o grupo de danzas y cantos que forman parte de una ópera, en especial en Francia. Sus argumentos casi nunca tienen nada que ver con las tramas de las obras que acompañan.
Dúo: Número para dos cantantes; puede tener dos o tres partes, como el aria; muchos dúos se dividen en diversas secciones; a las más rápidas se les suele llamar cabalette.
Emisión: Producción de sonidos musicales.
Entremés:Uno de los antecesores de la ópera. Solía ser de carácter cómico y estaba formado por bailes, cantos y diálogos. Se interpretaba al comienzo, en le medio o al final de las obras teatrales. Subgénero netamente español.
Entubamiento: Uso exagerado de las cavidades de la garganta y la cara en la emisión del sonido. Este sale cavernoso, velado, como si lo hiciera por un tubo.
Escala cromática: Ver cascada.
Espineta Ver clavicémbalo.
Expresionismo: Tendencia artística, originariamente de la poesía y la pintura, que se basa en la expresión de los sentimientos que embargan a los personajes que se convierten en formas retóricas o visuales. En música, el expresionismo se caracteriza por el énfasis puesto en juego en la línea vocal y el fraseo de la orquesta.
Falsete Es la producción de la voz masculina usando sólo una parte de las cuerdas vocales. No otorga gran potencia; el timbre no es bello y sus variedades de color son muy limitadas. Como registro usado por cualquier voz, el falsete es el más agudo y supera a las resonancias de las cavidades de la cabeza, con las que suele mezclarse.
Falsettone: Método de emisión que mezcla los recursos del falsete con los registros de cabeza, en incluso con ciertas resonancias del pecho superior. Muy usado por los tenores hasta 1840, más o menos, para emitir las notas superiores al La3.
Fiato: Aliento. Se aplica a la técnica de respiración que ayuda a dominar la regulación del aire; permite sostener una nota o emitir toda una frase sin tener que tomar aire.
Filar un sonido:Mantenerlo afinado.
Finale: Sección de conclusión de un acto o de una ópera, puede ser sencillo o muy complicado, como los de Mozart, que incluyen diversos números.
Finale en vaudeville:Finale en que cada uno de los personajes canta distintas estrofas con una misma música; termina con un estribillo que todos entonan.
Floritura: Ornamento vocal, generalmente improvisado por el cantante aunque también escrito a la manera de una improvisación, y que consiste en cantar varias notas seguidas con una misma vocal.
Fraseo: Obediencia a los signos de puntuación de la música; correcta colocación de los acentos e inflexiones; respeto a las divisiones de una frase. Implica una buena técnica respiratoria.
Fuga: Forma musical consistente en la repetición de una misma melodía a cargo de diversas voces. Se clasifica según el número de ellas: fuga a dos voces, tres voces, etc.
Galopp: Danza de ritmo muy rápido, y cuya forma imita los pasos del caballo galopante.
Glisando: Deslizarse de una o varias notas a otra u otras.
Golpe de glotis: Forma de atacar una nota con la ayuda de las llamadas “cuerdas vocales falsas”, que se unen y luego se separan con rapidez produciendo el sonido.
Gorgheggio: Técnica de vocalización rápida hacia arriba o hacia abajo, casi siempre sin ninguna letra. Puede traducirse por gorjeo.
Grupeto: Uno de los ornamentos más comunes; está formado por varias notas que pueden atacarse desde arriba o desde abajo, según lo indique el compositor.
Guitarrón: Literalmente, guitarra de gran tamaño, también denominado archilaúd. Se utilizó en los siglos XVI y XVII. En la ópera primitiva servía de bajo continuo, es decir, de acompañamiento constituido por los acordes que concurren a definir las armonías principales.
Impostación: Es la técnica vocal que ayuda a fijar los límites de la voz mediante ejercicios de crescendo y diminuendo de la emisión de sonidos prolongados y mantenidos. Sinónimo de colocación de la voz.
Inflexión: En el canto, alteración ligera de la altura del sonido.
Intermedio:En la ópera barroca, entremés breve y cómico en medio una acción seria y solemne. A partir de la ópera romántica y sobre todo en el verismo, es un pasaje sinfónico que sirve de puente entre dos escenas, en le cual reflexiona sobre algún episodio determinado.
Legato: Forma de fraseo en la cual las notas están ligadas o pegadas, es decir, que no hay separación entre ellas. Es lo opuesto a staccato o pichettatto, donde las notas están despegadas o sueltas.
Leitmotiv: Literalmente, motivo conductor. En la ópera wagneriana y posterior, designa al motivo musical que identifica a un personaje o a una situación que se repiten a lo largo de la partitura.
Lieto fine: Final feliz. Expresión muy usada hasta finales del siglo XVIII para referirse a la conclusión de la ópera seria, requisito obligado de este subgénero. También significa final moral.
Masque (mascarada): Entretenimiento teatral de moda en Inglaterra en los siglos XVI y XVII, en el que se mezclaba poesía, música, canto y baile. Sus temas casi siempre eran mitológicos, y sus montajes, complicados y deslumbrantes. Es uno de los antecesores de la ópera.
Melisma: Grupo de notas cantadas con una sola vocal
Melodrama1) composición escénica que mezcla música y diálogos hablados de modo alternado o imbricado; 2) fondo orquestal sobre el que se desarrolla una acción dialogada o en pantomima; 3) en Italia (melodrama), sinónimo de ópera. En realidad, en dicho país, la palabra ópera sólo se aplica a las obras líricas extranjeras.
Melopea: Canto sin acompañamiento.
Messa di voce: Técnica vocal mediante la cual se insufla aire a un sonido y luego se disminuye. Para el bel canto es piedra de toque, ya que demuestra la capacidad de control de la emisión vocal de un cantante. Se emplea en la expresión del texto y del canto pero no es un artificio estilístico. Forma parte de la impostación.
Mezza voce: Media voz. Forma de cantar con la mitad del volumen para plasmar un matiz. Su sonido debe poseer un timbre dulce y aterciopelado.
Mezzo recitativo: Especie intermedia entre el recitativo y el airoso propiamente dichos, formada por frases irregulares que en todo momento sirven fielmente a la expresión de la prosodia.
Mezzosoprano: Voz femenina media, que consta normalmente de dos octavas (la grave - la agudo). De color vocal más cálido y de anchura más acentuada que la soprano, se le suelen adjudicar partes más dramáticas o de mayor edad que a aquéllas.
Misterio: Drama litúrgico medieval. Con el Renacimiento se le incorporó la polifonía y el acompañamiento instrumental. Es uno de los antecesores de la ópera.
Monodía: Canto de una sola voz con acompañamiento, opuesto a polifonía.
Monólogo: Pieza de carácter solista que puede tener forma cerrada o abierta y seguir o no una estructura fija.
Mordente: Alternancia sencilla o doble de una nota con su inferior.
Música concreta: Es la reproducida por sonidos y ruidos tomados de la vida real y no con instrumentos construidos a propósito.
Música electrónica: Es la producida por aparatos especiales, llamados osciladores electroacústicos, en los cuales el sonido es el resultado de combinaciones regidas por la electricidad.
Número cerrado: Toda intervención solista o coral que se destaca del conjunto musical de una ópera, por su carácter casi independiente; suele concluir con una serie de acordes. Cualquier aria, dúo, trío, coro, etc. Es en esencia un número cerrado.
Obbligato: Acompañamiento destacado de un aria confiado a un solista de la orquesta, cuya intervención comenta o se opone al sentimiento expresado por el cantante.
Obertura: Fragmento sinfónico con que suelen comenzar las óperas y que puede anunciar alguna de las melodías principales que se escucharán durante su transcurso. En su forma más desarrollada, es una sinfonía de pequeño formato, que consta de una exposición con dos temas, una elaboración con variaciones y una recapitulación sobre el primero de los mencionados temas, todo rematado con un brillante final.
Ondas Martenot: Aparato inventado en 1928 por el francés Maurice Martenot (1898-1980). Es un artefacto electrónico accionado por medio de teclas y que emite un solo sonido por una vez sin poder agregarle notas simultáneas.
Opera: Obra teatral cantada y con comentario musical, el cual puede ser ininterrumpido o sólo acompañar a los números de los intérpretes; a veces incluye ballets. Se dan a continuación sus principales clases ordenadas cronológicamente: Opera seria: de temas mitológicos o históricos; no incluye personajes cómicos; sus temas son grandilocuentes y moralizantes. Su final debe ser siempre feliz. En ella alternan recitativi secchi, con los que se desarrolla la acción, y números cerrados, por regla general, arias, vehículos de los sentimientos. Su piedra de toque es el aria da capo; Opera buffa: sus personajes en un principio eran únicamente cómicos. Con el paso del tiempo se incorporaron también los de carácter sentimental o serio. Incluye, además de arias, dúos, tríos, concertantes, etc., aunque casi nunca coros. Sus temas se inspiran en la vida diaria de la época. Su canto es esencialmente silábico, ya que precisa ser entendido con claridad para conseguir sus objetivos humorísticos; Opera ballet: subgénero francés; cada uno de sus actos, en los que se mezclan a partes iguales, bailes y cantos, posee un argumento y personajes propios. Sus diversas jornadas se ven unidas por un tema común (las estaciones, las fiestas de una diosa, etc.). Lully y Molière crearon las llamadas comédie-ballets; Tragedia lírica: subgénero francés creado por Lully, en el que a su argumento severo y exaltado se unen la danza, la espectacularidad y el canto más bine airoso; Ballad-Opera: subgénero inglés que mezcla diálogos hablados y números cantados, muchas veces de origen anónimo y reunidos por un compositor con el propósito de contar el argumento; Opera comique: equivalente francés de la anterior, pero con música original de un autor; puede ser seria o humorística; Singspiel: hermana de las dos anteriores; su música es original; puede ser de tema serio o humorístico; sinónimo de spieloer; Zarzuela: en su primera y segunda épocas, hasta casi finales del siglo XIX, equivalente de las anteriores; Opera de rescate: su argumento se caracteriza por girar en torno a la liberación de uno de los personajes principales, o al sacrificio de uno de éstos en nombre de la fidelidad. Sus temas son severos aunque no evita el uso de personajes cómicos; también se conoce como Opera de terror, de redención o de salvamento; Grand Opera: subgénero francés de tema serio, épico o histórico, con gran despliegue de tramoya y de masa corales. Sacrifica cualquier lógica argumental a la consecución de grandes momentos melodramáticos y espectaculares. Es obligatoria la inclusión de un ballet. Su éxito llegó a trascender las fronteras francesas; Opera semiseria: fusión de la Opera seria, de la que toma principalmente sus grandes arias y el tema severo, y de la buffa, que le aporta variedad a los números (dúos, tríos, etc.) y un tratamiento menos altisonante al argumento. Sus personajes están extraídos de la vida diaria; su final puede ser feliz o desgraciado; Opera de cámara: obras casi siempre pensadas para pequeños grupos de intérpretes e instrumentistas; su carácter puede ser serio o humorístico; Opera de parodia: subgénero en el que se satiriza a una Opera famosa, tanto en su libreto como en su música. Gozó de gran fama en los siglos XVIII y XIX.
Opereta: Género más ligero, tanto en canto como en argumento, que la ópera. Suele tener trama frívola y divertida. En Francia también se conoce con el nombre de Opera bouffe. Ha sido cultivada en todos los países europeos e incluso en los Estados Unidos. Alcanzó su cumbre en Francia y Austria entre las últimas décadas del siglo XIX y las primeras del actual.
Ornamentación; ornamentos: Arte de adornar y variar la línea melódica. En un principio fue de carácter improvisado, pero pronto los compositores terminaron por escribir sus propios adornos. Sus principales son: la apoggiatura en el recitativo; la improvisación de cadenze en los calderones de las cadencias de las secciones del aria da capo; la variación de todo fragmento melódico en las repeticiones de la sección primera de este último tipo de aria, etc.
Pantomima: 1) acción representada mediante la mímica y, a veces, el ballet; 2) subgénero teatral inglés en el que a la trama dialogada se añaden números cantados, bien originales o tomados de otras obras. Suele tener carácter humorístico o paródico, a pesar de que la más famosa, Oberon, de Weber, contenga también situaciones muy dramáticas; desde finales del siglo XIX, este subgénero ha adquirido un carácter totalmente navideño.
Parlando: Hablando; interpretación de una frase o de un diálogo con un estilo entre el canto y la palabra hablada.
Pasaje o paso de la voz:Transición de un registro vocal a otro. Las llamadas “notas de pasaje” son aquellas que pertenecen a dos registros vocales contiguos.
Passaggio: Ornamentación de la línea vocal, en especial de la cadenza improvisada sobre un calderón.
Pastoral: Uno de los antecesores de la Opera; solía ser casi todo cantado y tener carácter idílico y pastoril.
Platónico: Concerniente a la filosofía de Platón. En especial, se denomina amor platónico al que se produce entre dos personas cuyas almas son partes de una entidad superior y que se reconocen como tales en el enamoramiento. Su mal uso señala el amor que no tiene concreción física.
Polifonía: Música en que varia voces cantan a la vez. Las voces se imitan y siguen. Todas tienen igual importancia.
Politonalismo: Procedimiento que consiste e superponer varias melodías, cada una con una tonalidad distinta.
Portamento: Literalmente, llevada o transporte. Es la parte de la frase musical en la que el sonido es llevado sin interrupción de una nota a otra.
Preludio: Introducción orquestal a una ópera; más breve que la obertura y casi siempre en una sola sección; muchas veces desemboca sin interrupción en el desarrollo del tejido que acompaña a la trama.
Racconto: Relato; puede ser sinónimo de romanza y de aria de carácter narrativo.
Rappresentazione sacra:Uno de los antecesores de la Opera. Sus temas eran bíblicos o religiosos. Estaba formado por partes cantadas que tomaban como base melodías del canto llano según el estilo de los tropos, y por secciones recitadas en lengua autóctona y no en latín. Cuando tenían argumentos sacados de novelas de caballería, o de carácter no religioso, recibía el nombre de rappresentazione profana. Gozaron de gran fama en Italia en los siglos XV y XVI. Su origen se remonta a las laudi spirituali: cantos religiosos en alabanza a Dios y a los santos, de estilo sencillo y casi siempre monódico.
Recitativo: Basado en el estilo de recitar cantando o stile rappresentativo, tiene encomendada la misión de desarrollar la trama de una ópera; hay dos clases principales: secco: acompañado únicamente por los instrumentos encargados de desarrollar el bajo continuo, y accompagnamiento u obbligato, en los que la orquesta apoya los hechos descritos. Esta clase se divide a su vez en tres tipos: el ritmo del acompañamiento obliga a que el canto sea absolutamente fiel a las indicaciones de medida; el auténtico obbligato: especie de diálogo entre el cantante y la orquesta. El recitativo es tan importante con el aria; a veces aparece separado de ésta por una cabaletta.
Registro: La voz tiene tres registros: de pecho, de cabeza y falsete; cada uno posee características propias de color e intensidad. Una buena técnica vocal es aquella que tiende a fundir estas características y a hacer que la voz sea homogénea en toda su extensión, sin que se note el paso de un registro a otro.
Ritornelo: Parte del aria de una ópera que repite el comienzo de la misma.
Romanza: Aria breve y de carácter casi siempre amoroso. A veces también se aplica al aria más importante de una ópera.
Rubato: Ligera variación del ritmo de una nota o notas mediante breves aceleramientos o retrasos con el objetivo de aumentar la expresión. Muy usado en el bel canto.
Salterio: Instrumento antiguo y medieval, consistente en una lira con caja de resonancia.
Sfogato: Se dice del canto en el que la voz, literalmente, se desahoga, o sea, que se emite constantemente con su máximo volumen.
Sinfonía: En la ópera, obertura, o sea, introducción orquestal con que se abre la partitura. En música orquestal, forma originada en el siglo XVIII y que consta de cuatro movimientos, siendo rápidos el primero y el último, lento el segundo y bailable el tercero, con ritmo de minué. Esta estructura fue sufriendo modificaciones a lo largo del siglo XIX hasta designar cualquier pieza para orquesta compuesta de varios movimientos.
Sonata: En sus comienzos, cualquier pieza instrumental no destinada al baile. A partir del siglo XVIII estructura de tres tiempos, rápido el primero y el último y lento el segundo.
Soprano: Voz femenina aguda cuya extensión normal son dos octavas (do grave - do agudo). Las llamadas sopranos ligeras o de coloratura alcanzan una cuarta por encima del do agudo, las denominadas notas sobreagudas. Según el peso y el empuje de la voz, de mayor a menor, las sopranos se clasifican en dramáticas, lírico-spinto y líricas. Estas distintas tesituras vocales se corresponden, normalmente, con psicologías y caracteres de fuerza proporcionada a la cantidad y calidad del material vocal. La soprano Falcón es una categoría exclusivamente francesa, caracterizando a una voz dramática de grave poderoso y agudo limitado.
Spianato: En su origen dícese del canto en que cada sílaba tiene una nota. Por extensión, todo fraseo musical en la cual la melodía se explaya.
Suite: Serie de danzas arregladas para orquesta o instrumento solista, que se encabezan con una obertura. En el caso de la ópera, serie de números orquestales extraídos de una obra determinada.
Tenor: Voz masculina aguda, cuya extensión normal son dos octavas (do grave - do agudo). Por excepción, hay tenores con registro sobreagudo. Según el peso y el color, los tenores se clasifican en dramáticos, líricos y ligeros o de gracia. Se llama tenor heroico (heldentenor) al que tiene extensión de tenor y color vocal de barítono.
Tesitura: Consistencia de la voz. Se habla de voces de tesitura ligera, lírica, dramática, etc. En sentido estricto, alturas de la voz: tesitura aguda, sobreaguda, central y grave. Sirve para clasificar también a las voces: tesitura de soprano, de tenor, de barítono, etc.
Tiorba: El más grave de los laúdes, al cual solían agregarse algunas cuerdas llamadas bordones. En la ópera primitiva se utilizó como bajo continuo.
Trino: Sucesión de dos notas separadas por un semitono y con la misma vocal. En el canto, se produce dejando agitar la campanilla.
Trémolo : Temblor u ondulación de una nota que en la cuerda se consigue mediante un movimiento oscilatorio rápido del arco
Tresillo : Subdivisión ternaria de una pulsación
Verismo: Escuela italiana que proclama la plasmación de la vida diaria con sus miserias y dramas como objetivo artístico. Es equivalente del realismo y el naturalismo franceses. Entre sus métodos preferidos están el terminar todos los números principales con una nota aguda emitida en forte; el representar escenas teatrales dentro del desarrollo de la obra (el llamado “teatro dentro del teatro”); el usar unos cuentos leit-motives y un canto y una emisión marcadamente melodramáticas, estentóreas, de carácter silábico y tesitura limitada que permiten entender con bastante claridad el di voce. Favorece la potencia en el registro central de la voz, y desfigura las vocales abiertas para subrayar el carácter vulgar de los personajes; se opone al cultivo del colorido tímbrico y del virtuosismo vocal exigidos por el bel canto y el canto romántico; emplea los sonidos arrastrados y, sobre todo, carga las tintas de los aspectos melodrmáticos y cristpantes de la interpretación (que casi siempre se convierte en caricatura). Ha inflingido tal daño al canto en general y al gusto del público que resulta casi imposible oír hoy día una ópera que no sea verista interpretada en su estilo adecuado.
Vibrato: Ondulación de la voz dentro de las nueve comas o partes en que puede dividirse la altura de una nota. Si la vibración excede estas comas se produce una desafinación, llamada calato si cae por debajo de la coma inferior, y cresciuto si se produce por encima de la coma superior. En caso de que la voz no vibre, se oye de manera fija la coma central, fenómeno conocido por voz blanca.
Vocalización: Ejercicios de canto con vocales para adiestrar la voz.
Voz de cabeza: Aquellas notas agudas que parecen vibrar en la cabeza en lugar del pecho.
Voz de pecho: Aquellas notas graves que vibran en el pecho.
Vodevil: Pieza ligera y divertida, construida con una serie de enredos.





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